Parte 3:

Mary Poppins

Mary Poppins es una película musical de fantasía, producida por Walt Disney, y estrenada en 1964, basada en varios libros del mismo nombre, y que firmaba P. L. Travers, bajo el guion de Bill Walsh y Don Dagradi. La película es un musical que mezcla actores reales con secuencias animadas. Protagonizada por Julie Andrews.

En 2013, la película fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos del Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Sinopsis:

En el Londres eduardiano de 1910, la última niñera de los Banks, Katie, deja su cargo, ya que Jane y Michael (los hijos de George y Winifred Banks) se han escapado por cuarta vez en una semana.

George (el padre de Jane y Michael) llega a casa después del trabajo y Winifred (la madre) revela que los niños están desaparecidos. La policía llega con los niños, que piden a su padre ayuda para reparar su cometa dañada, pero él los rechaza y anuncia una niñera de reemplazo de un modo muy autoritario. Jane y Michael redactan una carta en la que piden una persona bondadosa y compasiva, pero George rompe el papel y lo tira a la chimenea. Inadvertidos, los restos de la nota flotan por la chimenea.

Al día siguiente, tras la llegada de Mary Poppins, George se sorprende al ver que la niñera tiene en sus manos los fragmentos recompuestos del anuncio roto. Esta nueva niñera desafiante se describe a sí misma como una nana firme que definirá las reglas de juego con los niños.

Comentario:

Un clásico de Disney, una película musical como las que no hay ahora, combinando la realidad con la fantasía, prácticamente vemos aquí una película animada adaptada a live action, Disney se ha caracterizado por su buen contenido infantil y esta nos es la excepción, sin dejar de un lado la visión del director vemos aqui una obra maestra del entretenimiento y cine infantil, aun recuerdo cuando la pasaban en en canal 2 y la veía junto a mi familia, muy recomendable y de grandes enseñanzas morales como la de ser responsables y nunca dejar olvidado nuestro niño interior.

Link de Youtube (Fragemento):

Grease

Grease (Brillantina en Chile, Colombia; Vaselina en Hispanoamérica) es una película musical de 1978 ambientada en los años 1950 y 1960, dirigida por Randal Kleiser y protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John. Basada en el musical homónimo de 1972 creado por Jim Jacobs y Warren Casey, la película lanzó a éste a la fama y consolidó la carrera de varios artistas.

Los vehículos utilizados son 14: entre ellos el Buick Special uno de 1956 y uno de 1957, Cadillac Series 62 de 1953, Chevrolet Belair de 1956, Chevrolet Fleetline Special de 1949, Dodge Cornet de 1950, Ford de 1948 Wayfire de 1949, Dodge Custome Royal de 1956, Ford de Luxe de 1948, Mercury Custom de 1949, Oldsmobile Super 88 de 1953, Plymouth Savoy de 1956, y Studebaker Comander Regal de 1948.

Sinopsis:

El musical cuenta la historia de amor del rebelde Danny Zuko (John Travolta) y la inocente Sandy Olsson (Olivia Newton-John). Ambos se conocen durante el verano y al despedirse ninguno de los dos piensa en que se vayan a ver de nuevo. Pero se equivocaban: cuando ella decide matricularse en el mismo instituto que su amiga Frenchy (Didi Conn) lo último que esperaba era convertirse en compañera de Danny, el co-líder rebelde de los T-Birds.

Comentario:

Un musical juvenil, un clásico de los años 80, Grease se caracteriza por el tono fresco y nuevo que le dan a la historia de amor, el color, los ambientes equipados y la muy bien adaptada vida adolescente, el director sabe cautivar al espectador de principio a fin, empezando por un drama romántico que empieza a ponerse mas complejo con la suma de personajes secundarios que en algunas ocasiones se pueden llegar a ganar un ligero desprecio, pero sin minimizar su participación en la trama, la música tambien es una de las mejores, marcando epoca y la juventud y adolescencia de muchas personas.

Link de Youtube (Fragmento):

Volver al Futuro:

Back to the Future (titulada Regreso al futuro en España y Volver al futuro en Hispanoamérica; también abreviada como BTTF, por sus siglas en inglés) es una película de ciencia ficción y comedia de 1985 dirigida y escrita por Robert Zemeckis —Bob Gale también colaboró como guionista—, producida por Steven Spielberg y protagonizada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover y Thomas F. Wilson. 

Zemeckis y Gale escribieron el guion una vez que este último reflexionó sobre la posibilidad de haberse hecho amigo de su padre si ambos hubiesen asistido a la misma escuela.6 Varios estudios rechazaron el libreto hasta que la producción Romancing the Stone (1984), dirigida por Zemeckis, alcanzó el éxito en taquilla. Tras esto, Universal Pictures dio luz verde al proyecto, estando Spielberg como productor ejecutivo.7 Al principio, se invitó al cantante canadiense Corey Hart para que realizara las audiciones correspondientes para el rol estelar de McFly, pero rechazó la propuesta;8 de forma similar, Eric Stoltz participó en las pruebas de selección para el mismo papel, justo cuando Michael J. Fox se hallaba ocupado en la producción de la serie televisiva Family Ties. No obstante, durante el rodaje, los productores decidieron que Stoltz no era el adecuado para el rol, así que Fox nuevamente consideró encarnar a Marty McFly, ingeniándoselas para poder participar tanto en Back to the Future como en Family Ties.7 Este tipo de retrasos en la producción hizo que se regrabaran algunas escenas durante la posproducción de la cinta, con tal de poder estrenarla el 3 de julio de 1985.

Tras su estreno, Back to the Future se convirtió en la película más exitosa de ese año, al recaudar más de 380 millones USD en todo el mundo y obtener críticas positivas en su gran mayoría.2 9 Asimismo, se hizo acreedora a un premio Hugo en la categoría de «Mejor producción dramática» y un galardón Saturn como «Mejor película de ciencia ficción», además de varias nominaciones a los premios Óscar y Globos de oro.

Sinopsis:

La trama relata las aventuras de Marty McFly, un adolescente que es enviado accidentalmente de vuelta en el tiempo de 1985, su época, a 1955. Tras alterar los sucesos ocurridos en 1955, específicamente aquellos en los que sus padres se conocieron y enamoraron, Marty debe intentar reunir a sus padres de nuevo para asegurar su propia existencia.

Comentario:

Sin duda un clásico de la ciencia ficción, la trilogía perfecta para un fin de semana de películas, yo soy un amante de las películas de ciencia ficción y tengo entre mis favoritas a esta, los efectos especiales innovadores así como el maquillaje y la hipótesis que manejan del futuro son increíbles, aunque al ojo actual es difícil de engañar se ve el gran esfuerzo por construir un universo auto sostenible. Las actuaciones así como el manejo de escenografía están al nivel de una superproducción, la cámara capta cada instante y explora terrenos bastante rústicos como el viejo oeste sin quitarnos el ambiente futurista que nos presento en la primera parte.

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Parte 2:

El Conde de Montecristo

El Conde de Montecristo es una película estadounidense de 1934, dirigida por Rowland V. Lee, protagonizada por Robert Donat en el papel principal de Edmond Dantès/Conde de Montecristo. Basada en la novela de Alexandre Dumas El conde de Montecristo.

Sinopsis:

Tras pasar 13 años en prisión injustamente encarcelado, Edmundo Dantés logra fugar para maquinar una diabólica venganza contra sus enemigos. 

Comentario:

Con muchas adaptaciones del libro, incluso en telenovelas, una de las adaptaciones clásicas, hecha por el director Rowland, mantiene su estilo elegante, nos presenta cuadros con un manejo de detalle bastante muy bien cuidado, los materiales de fondo complementan la pantalla y enriquecen la vista, si bien la historia es acortada en varias partes el director estadounidense nos sabe mantener al margen del drama y a replantearnos nuestro propio concepto de justicia, desenvolviendo muy bien en las relaciones del personaje principal con los secundarios.

Link de Youtube:

EL Ladrón de Bagdad

El ladrón de Bagdad es una película estadounidense del año 1924, dirigida por Raoul Walsh y producida por Douglas Fairbanks. En 1996 fue elegida por el Registro Nacional de Cine del Congreso de los Estados Unidos como un bien de valor cultural, estético o histórico.

Sinopsis:

Con la ayuda del ladronzuelo mendigo Abu, el califa Ahmed se enfrentará al malvado Visir que le ha arrebatado el poder y dejado ciego, aspirando al amor de la hija del sultán de Basora. La famosa narración del clásico de la literatura árabe "Las mil y una noches" debe su logro principalmente a la labor del productor Alexander Korda.

Comentario:

El director  Raoul Walsh demuestra un dominio espectacular sobre el uso de efectos especiales, el manejo de cámara para crear tormentas o una pelea con una araña gigante, para entonces era algo difícil de encontrar, el cine de acción que salta de los libros a la pantalla del cine es muy frecuente en esta época, la fantasía que desarrolla sin dejar a lado la realidad y manteniendo el ordenamiento del realto, una película juvenil que desenvuelve una historia de amor dentro de esta cultura y universo de "las mil y una noche".

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El libro de la Selva

El libro de la selva (Jungle Book) es una película de 1942 basada en la novela homónima del escritor indobritánico Rudyard Kipling. Se trata de la primera versión cinematográfica del libro.

La película de 1942 fue realizada por los hermanos Korda: Zoltan como director, y Vincent y Alexander como productores. El personaje de Mowgli es interpretado magistralmente por el actor indio Sabú. Completan el reparto Joseph Calleia, John Qualen, Frank Puglia, Rosemary DeCamp, Patricia O'Rourke y Ralph Byrd.

El film está rodado en color, con lo que se consigue unos planos de la selva muy pintorescos y hermosos. El sonido se conserva bastante mal.

La música, compuesta por Miklós Rózsa, fue candidata al premio Óscar. La película tuvo otras tres candidaturas en ese certamen: a los decorados, a la fotografía y a los efectos especiales.

Sinopsis:

Adaptación del famoso relato de Kipling ambientado en la India colonial británica que narra las aventuras de Mowgli, un niño abandonado en la selva, que se cría entre animales salvajes.

Comentario:

Cine de aventura y acción, una de las versiones mas fieles al libro original, el director nos muestra un primer plano de la selva India, su gente y la fauna que lo habitaba, en medio de la guerra nos enseña un manejo de presupuesto impresionante, aun desconozco como lo hizo, pero el manejo de escenario con fondo falso y la incorporación de animales de verdad, hacen de esta película una obra maestra, sin dejar de lado la actuación de un personaje principal tan joven. Mantiene separada la linea del lenguaje de animal y humano, sin llegar a la antropomorfización de los animales, algo que en las películas posteriores realizaron, quitandole esa interpretación del lenguaje animal que el mismo protagonista realza, al mismo tiempo compartir el mismo cuadro con un animal dota de la película de un realismo que últimamente no se ve en las peliculas recientes.

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Parte 1:

El séptimo cielo

El séptimo cielo es una película muda de 1927 dirigida por Frank Borzage. Adapta una obra teatral escrita por Austin Strong.

Sinopsis:

Diane, una joven prostituta dominada por su tiránica hermana, es redimida por Chico Robas, un limpiador de alcantarillas que es ascendido a barrendero. Ambos viven su amor en la mísera habitación ubicada en el séptimo piso de un edificio parisino, a la que ambos llaman "el cielo".

Pero el estallido de la Gran Guerra trunca su felicidad. Chico muere en el frente. Sin embargo, el amor que ambos sienten va mucho más allá de la vida, lo que se refleja en la película con el retorno de Chico a casa.

Comentario: 

El director Frank Borzage nos muestra una imagen enternecedora y bondadosa, apostando a mostrar el punto de vista de los marginados socialmente en la época de la primera Guerra Mundial. Maneja la sensibilidad y la emoción junto a alegorías religiosas, como el uso del numero 7 en la película. Juega con las emociones del personaje, y las situaciones, de las primeras películas con un sentido dramático, Frank Borzage nos demuestra que el cine mudo puede trasmitir sentimientos y emociones, usando el rostro de los actores como fuente principal, que si bien carece de sonido, parece que nos estuviera hablando con sus expresiones.

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L'Argent

L'Argent ("dinero") es una película francés muda dirigida en 1928 por Marcel L'Herbier . La película fue adaptada de la novela L'Argent por Émile Zola, y que retrata el mundo de la banca y el mercado de valores en París en la década de 1920.

Sinopsis:

Saccard y Gunderman son rivales banqueros de París. Saccard ve la oportunidad de rescatar a su banco en quiebra, Banque Universal, mediante la financiación del vuelo transatlántico en solitario de Jacques Hamelin, un aviador pionero y, a continuación, aprovechando su popularidad para establecer un proyecto empresarial colonial en Guayana. También espera seducir a la mujer de la Línea Hamelin en su ausencia. Cuando circula un rumor que se ha estrellado Hamelin, Saccard explota los informes falsos para manipular las acciones en la bolsa.

Gunderman desaprueba Saccard y sus métodos, y ha comprado en secreto las acciones de su banco como un arma contra él futuro. La baronesa Sandorf, ex amante de Saccard, actúa como un espía para ayudar a los intereses de Gunderman, y más particularmente su cuenta.

El trabajo de Hamelin en Guayana se convierte en un pasivo caro, y su pérdida de visión le impide mantener un control adecuado de las cuentas. Saccard atrapa a la Línea de ingenuo en las deudas que le obligan a tolerar sus atenciones montaje. Incitado por Sandorf, Línea hace una queja formal sobre las transacciones financieras de Saccard, que pone en marcha una investigación, y cuando descubre cómo la reputación de su marido ha sido comprometida por Saccard ella trata de dispararle en una fiesta. Sandorf ahora la contiene, temiendo por sus propias inversiones si Saccard fuera a morir. Gunderman vende sus acciones en el banco de Saccard y precipita su colapso. Saccard es detenido, junto con Hamelin que ha regresado a Francia. la duplicidad de Saccard se expone en la corte, y por medio de la intervención de Gunderman Hamelin se libera. Saccard va a la cárcel, pero no pierde el tiempo antes de planear nuevos esquemas financieros - con la ayuda de su carcelero.

Comentario:

Con un estilo neo liberal, el director Marcel L'Herbier, crea un mundo bipolar, donde existen personas buenas y malas en lo que respecta al mundo de la bolsa y las especulaciones, es un poco fantasiosa aun la idea, al mismo tiempo nos muestra un mundo de personas adineradas. También nos muestra un manejo de la cámara impresionante, maneja un gran movimiento circular que enfoca a varios personas en las escenas de las especulaciones, también en planos generales y cuadros de una persona, donde detalla sus expresiones al perder o ganar en la bolsa, un detalle que resalta a primera vista.

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La Pasión de Juana de Arco

La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc) es una película muda francesa de 1928 del director y guionista danés Carl Theodor Dreyer, protagonizada por Maria (ó Renée) Falconetti. Narra el procesamiento de la heroína francesa Juana de Arco ante la Inquisición. 

Es ampliamente considerada como un hito del cine,1 sobre todo por su producción, la dirección de Dreyer y la actuación de Falconetti, que ha sido descrita como una de las mejores de la historia del cine.

Sinopsis:

Guerra de los Cien Años, siglos XIV y XV. En 1431, la joven Juana de Arco, después de haber conducido a las tropas francesas a la victoria, es arrestada y acusada de brujería. Ella declara haber recibido de Dios la misión de salvar a Francia, pero es procesada y condenada a morir en la hoguera.

Comentario:

Carl Dreyer realiza un trabajo de cámara impresionante, retrata a cada uno de los personajes distintos de la historia sin perder su expresión ni el sentido de la película, contrasta cada imperfección del rostro de las personas que juzgan a la protagonista con los rasgos de ella, jugando y dándonos una sensación de fuera de lugar. También se deja de lado el uso de maquillaje por parte de los personajes secundario, y el cuadro transfiere una imagen de un ambiente intimo que trasmite la sensación del momento.

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